El hombre que compró a los Beatles

En la década de los sesenta, Kansas era una pequeña ciudad que no sonaba ni en política ni para los grandes espectáculos. Era reconocida por ser el lugar donde un tornado se llevó a Dorothy en El Mago de Oz, y recientemente había llamado la atención porque ahí se cometió el terrible asesinato de una familia entera, narrado magistralmente por Truman Capote en su más famosa novela. Pare de contar. Eso era Kansas comparada con las grandes New York, Los Angeles o San Francisco.

Estadio de Kansas City

Charles O. Finley era un hombre de negocios norteamericano que había hecho fortuna en el sector de las aseguradoras. En diciembre de 1960, se convirtió en el dueño del equipo de béisbol de Kansas, Los Athletics. El equipo jugaba sus partidos de local en el Estadio Municipal de Kansas y para esa época, a pesar de ser el único equipo de la ciudad, jugaba siempre con el estadio semi vacío. Finley debía recuperar la gran inversión y ensayó muchas estrategias de marketing para posicionar y popularizar a su equipo en el apático ciudadano de Kansas, pero estas no daban el resultado esperado.

En un momento de euforia, se la jugó el todo por el todo. Finley prometió a la gente que llevaría a los Beatles a su ciudad durante la primera gira americana que llevarían a cabo los ingleses, y que estaba próxima a realizarse.

Revista Life, agosto 1964

Creo que no hace falta recordares la idolatría con la que se esperaba a los Beatles en 1964. Nunca se ha vuelto a repetir con ningún artista, político o líder religioso, recibimiento tan apoteósico como el que tuvieron los de Liverpool al pisar por primera vez suelo americano. Por demás también está comentar que su agenda estaba copada al milímetro con entrevistas, talk shows, visitas a famosos, y los conciertos, todo esto, previamente concertado con más de ocho meses de anticipación, y claro, sólo para las grandes metrópolis. Conciertos además, para los que era imposible conseguir una entrada porque todas se agotaron el primer día que salieron a la venta.

Imaginen esto. Ni siquiera un poster, acetato o cinta del grupo era posible conseguir porque todo se había agotado en las tiendas del país, la beatlemanía estaba en su punto más alto. Entonces, ¿cómo pretendía este anónimo emprendedor, este entusiasta empresario local, llevar al grupo más famoso del planeta hasta su pequeña ciudad?
Hagamos un pequeño ejercicio mental. Visualicen, queridos lectores, mentalmente el mapa, la imagen de su propio país. Ahora excluyan a las seis ciudades más grandes y elijan cualquiera de las que quedan. A esto hay que añadir que los Athletics de Kansas era un equipo de media tabla para abajo, de los que siempre están luchando por no ser últimos. Ahora ya creo que me entienden y pueden apreciar de una mejor forma en el problema en que se hallaba Charles Finley, más conocido como “Charly O”.

Los Beatles en el programa de Ed Sullivan

Como se preveía y era obvio, Kansas no estaba en el circuito de ciudades donde los Beatles iban a tocar. En esa época Kansas aún era considerado un pueblo grande del oeste para música country y honky-tonk. Ni siquiera iban a pasar cerca o hacer escala turística, es decir, para la empresa organizadora, el Cyclone State no existía, y esto fue quizá lo que le hirió en su amor propio a “Charly O”. Su palabra de cowboy, su credibilidad, futuro empresarial e inversión en el equipo estaban en riesgo, y por qué no, también se vislumbraba la posibilidad de un posible linchamiento físico y mediático, burlas de la sociedad y hasta un obligado auto destierro de la hermosa ciudad de los girasoles.

Tanta adrenalina junta (i.e. canguelo, culillo) le puso manos a la obra y le hizo tomar un vuelo a San Francisco el 19 de agosto de 1964, donde los Beatles tuvieron su primera actuación en América. Allí se encontró con el manager de los Beatles, Brian Epstein. Finley le dijo a Epstein que estaba decepcionado de que Kansas no estuviera en el itinerario de los Beatles y de plano le ofreció al manager $ 50.000 si programaban un concierto en su ciudad. Epstein se negó, le explicó que la única fecha libre disponible era el 17 de septiembre, y la banda tenía programado un día de descanso en Nueva Orleans. Finley se fue decepcionado pero no claudicó. Una semana más tarde fue tras los ingleses hasta Los Angeles, donde Epstein volvió a rechazar la oferta de Finley (ahora de 100.000 dólares), argumentando que la banda quería utilizar su único día libre para explorar la ciudad "cuna del jazz". Con un nudo en el estómago, Finley rompió el cheque de $ 100.000 y firmó uno nuevo por $ 150.000 (algo equivalente a un millón y medio de dólares actuales). Atónito, Epstein se excusó un momento para hablar con el grupo. Fue hacia los camerinos, les expuso la situación y sobretodo la magnífica cantidad de dinero por una sola presentación. Lo analizaron un poco, luego John Lennon, hablando en nombre de sus compañeros de banda le respondió: "Nosotros haremos lo que tu creas conveniente". Enseguida Epstein salió del camerino, aceptó el nuevo cheque de Finley y se pusieron de acuerdo para tocar en Kansas. No hubo firma de contrato, sólo un fuerte apretón de manos.

Tickets para las localidades del concierto en Kansas City

En su momento, este fue el precio más alto jamás pagado por un show musical, costando cerca de 3750 dólares por minuto (el show fue de casi 40 minutos), comparativamente, unos $ 37.500 actuales por minuto. Cuando algún periodista le cuestionó a Finley el porqué de tanto derroche (para traerlos a toda costa), él lo tomó a broma y justificó el alto precio respondiendo: "Los actuales fans de los Beatles serán los aficionados al béisbol del mañana" – frase que además estaba ya impresa en el reverso de las entradas para el concierto-.

Reverso de los tickets con foto de Finley y su peluca beatle

Luego de ofrecer una animada rueda de prensa en el hotel Muehlebach (pueden leerla aquí) , los Beatles dieron un concierto memorable improvisando la famosa canción "Kansas City" con los acordes de Hey, Hey, Hey! (ver el vídeo)

En el medio oeste norteamericano la gente siempre se ha caracterizado por su recelo, cautela, miedo ante lo nuevo, ante lo foráneo. En esa época eran aún más cerrados, especialmente con los valores culturales y religiosos. No lo van a creer, pero Finley hizo todo ese esfuerzo casi en vano, para apenas 20.207 personas (entre fanáticos y noveleros), algo más de la mitad de la capacidad total del Estadio, con un aforo para 35.000 espectadores.

El fracaso del concierto podía interpretarse de varias formas. Aparte de la baja animosidad local, varias radios locales "de moda", que patrocinaban artistas norteamericanos, sugirieron boicotear el concierto escudándose en la impopular gestión de Finley con el equipo de béisbol. De todas formas, la noche del 17 de septiembre de 1964, más de 20 mil fanáticos locales y de condados y ciudades aledañas corearon todas las canciones de los ingleses. Al día siguiente, Finley, que había destinado las ganancias del evento a favor de un hospital infantil, tuvo que firmar otro cheque de $ 25.000 para cubrir el donativo mínimo que se había comprometido a entregar al hospital, en caso de que el concierto no generara ganancias.

Charles O. Finley

Finley fue un soñador, organizó un evento digno de cualquier capital del mundo, para una ciudad no estaba preparada. Muchos le dieron la razón, y en el fondo, nadie pudo reprocharle cuando tomó su equipo y se lo llevó para California en 1968.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6

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El Canon de Pachelbel y la música contemporánea

Johann Pachelbel nació en el año 1653 en Núremberg, en el seno de una familia de clase media. Desde muy temprana edad, recibió clases de música con los mejores maestros en ese entonces. Su vocación por el arte empezó a dar frutos antes de que cumpliése 20 años, edad en la que ya tocaba en las principales catedrales de Viena.
En el amplio legado que nos dejó, El Canon es la obra más conocida de este compositor de música barroca alemán. (Pueden escucharlo aquí)

Pachelbel escribió esta obra alrededor de 1680, siendo originalmente para tres violines y bajo continuo; y con el tiempo se han ido realizando arreglos para una gran variedad de instrumentos y conjuntos. El Canon es muy conocido por la progresión armónica de los instrumentos de cuerda, que lo han convertido en una de las piezas más reutilizadas en la música popular.

Su melodía es fácilmente reconocible, y aún, cuando es escuchada por primera vez, generalmente siempre gusta porque primero te genera una sensación de paz, pero luego te deja con una sensación extraña, como de haberla escuchado antes pero no saber en dónde. Mucha gente la escucha y tararea, cómo si la hubiese escuchado de toda la vida.
En los EE.UU. desde hace algunos años, el Canon se ha convertido una de las canciones más populares para las bodas, popularidad que se incrementó después de aparecer en la película Ordinary People de 1980.
Ojo, estamos hablando de una pieza musical del siglo XVII, que agrada a casi todos quienes la escuchan por primera vez (refiriéndome a gente que no gusta o sabe de música clásica), pero esto puede tener una muy curiosa explicación.

Ahora si, al grano:

A pesar de ser una pieza barroca de la música, muy curiosamente se ha convertido en la base de muchas canciones modernas. Al decir modernas me estoy refiriendo a canciones que no tienen más de 30 años, y no a cualquier canción. Hablo de éxitos consagrados del Pop y del Rock de los 80, de canciones de grupos como Aerosmith, Toto, Journey o Michael Jackson, hasta temas recientes, donde también se nota su influencia en canciones de James Blunt, Five for Fighting y hasta Lady Gaga.

Este fenómeno últimamente ha llamado la atención de compositores y estudiosos de la música, quienes no creen que se trate de un plagio descarado a Pachelbel, porque para plagiar algo, hay que conocerlo. Y en este punto creo que tienen razón, porque no imagino a Lady Gaga como estudiosa de la Música Clásica Barroca.

Lo mas sencillo -y probable- que puede haber ocurrido, es que como el Canon es muy conocido gracias a que su progresión armónica ha facilitado que sea interpretado por instrumentos de cuerda, alguna vez inconscientemente lo escucharon, y esa haya sido la fuente de "inspiración" (repito, inconsciente) de nuestros compositores contemporáneos. Es que ya van a ver ustedes, muchas canciones de los artistas actuales, son curiosamente parecidas.

Para escribir este post (sugerido por un amigo), necesitaba pruebas, en este caso escucharlas, y enseguida me mostró un par de vídeos que quizá ustedes conozcan.
Quienes no los han visto, inviertan sólo 11 minutos de su tiempo en estos dos videos, en el orden sugerido claro, y aunque no les aseguro que sus conocimientos ni gustos musicales cambiarán, lo que si les garantizo es una sonrisa mientras los ven, y a muchos de ustedes, desempolvarles algunos viejos recuerdos.

En el primer vídeo escucharán un poco del Canon de Pachelbel (en cuerdas), y luego la lista de canciones que el artista ha "detectado" con la misma armonía, canciones actuales por supuesto. El vídeo dura 5:57" minutos

En el segundo vídeo, que es el que más me gusta, pueden ver -escuchar- más de 30 hits famosos que siguen los mismos acordes, o las "cuatro notas" como les dicen ellos. Este video dura 5:12" minutos.

Hablar de plagio sería absurdo, de hecho estoy seguro que muchos de los grupos y artistas aludidos, jamás oyeron de hablar del viejo músico alemán. Creo más bien se trata de aquellas fortuitas casualidades, de esas serendipias que ocasionalmente nos regala la música.
De todas formas, las notas que escribió Pachelbel hace más de tres siglos, resulta que ahora suenan muy bien juntas, tanto que algunos de estos temas fueron greatest hits e hicieron furor no hace mucho. Sin lugar a dudas, el maestro alemán escribió música adelantada a su tiempo.

(Si les gustó el segundo video, pueden verlos tocando aquí "en vivo" las mismas canciones, se los recomiendo. Son tan buenos que tienen ya más de 15 millones de visitas).

Para quienes les interesa el tema, pueden ver también los documentales del neoyorquino Hirby Ferguson llamados "Everything is a Remix", donde nos muestra una visión de la música y del cine, como una mezcla de sus antecesores. En conclusión, lo que quiere mostrarnos Ferguson, es que tanto en la música como en el cine, no hay nada nuevo bajo el sol, que todo es reciclado.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5

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"Amapolas y patos", una sediciosa canción infantil

El Festival de la Canción de San Remo se empezó a celebrar en el año 1951. Desde esa fecha este famoso festival ha lanzado a la fama a ilustres desconocidos que de un momento a otro, se convirtieron en estrellas de la música en su respectiva época. Citemos unos pocos casos como Nicola di Bari, Al Bano, Ricchi e Poveri, Eros Ramazzotti, Humberto Tozzi, Riccardo Cicciante, Marco Masini, etc.
Muchas de sus hermosas canciones románticas se convirtieron en íconos bajo las cuales se juraron amor miles de parejas alrededor del mundo, porque si de algo es famoso el Festival de San Remo, es de sacar bellas y lacrimosas canciones de amor que pronto se convierten en éxitos, pero como veremos hoy, no siempre fueron canciones románticas.

El Festival se celebra anualmente en el Teatro Ariston de San Remo

En 1952, apenas en la segunda edición del Festival se presentaron para el concurso más de 300 canciones inéditas, previamente seleccionadas por un jurado. La cantante Nilla Pizzi se presentó con dos temas, entre ellas la canción infantil "Papaveri e papere" (Amapolas y patitos), que ha sido -según los críticos- la canción más frívola que ha participado en el festival. De hecho fue considerada como un testimonio cultural del atraso musical que vivía la Italia de los años 50. Se quejaban de que mientras en EE.UU. abundaban las bandas y leyendas del Jazz y se daba paso a un nuevo género conocido como Rock and roll, el Festival de San Remo se llenara de melodramas sentimentales, o como en este caso, una canción de cuna que hablaba de amapolas y patos. Eso ya era el colmo.

Nilla Pizzi cantando en el festival de 1952

Sin embargo a pesar de las críticas "Amapolas y patos" no nació como una sencilla canción de cuna. Muchos años después, el autor de la letra Mario Panzeri, confesó que se había inspirado explícitamente en la política.
Esa no era una rima infantil cualquiera. La letra es una metáfora en referencia a la clase política y, en particular, al político Amintore Fanfani, fundador y dirigente de la Democracia Cristiana (DC), partido que gobernaba Italia en esos momentos y era considerado sucesor del fascismo.
Además ese mismo año, la campaña del Partido Comunista Italiano (PCI) se basaba en un manifiesto que decía textualmente que "las altas amapolas de la Democracia Cristiana serían abatidas por el viento del comunismo revolucionario". Entonces aquí la figura del pobre pato representaba al pueblo y las otras opciones políticas, en tanto que las altas amapolas eran los democratacristianos y la clase alta italiana.

El leitmotiv de esta hermosa canción a ritmo de tarantela, ha pasado inadvertido por décadas, de hecho para muchos italianos era simplemente una historia de amor imposible, que estaba basada en el carácter de los ciudadanos de la época: "Con una moral derrotista y la aceptación de su estado de inferioridad social. "

Letra en italiano
Su un campo di grano che dirvi non so
un dì Paperina col babbo passò
e vide degli alti papaveri al sole brillar.
Così s'incantò.

La papera al papero disse:
"Papà, papare i papaveri come si fa?"
"Non puoi tu papare i papaveri" disse papà.
E aggiunse poi, beccando l'insalata:
"Che cosa ci vuoi far, così è la vita!

Lo sai che i papaveri
son alti, alti, alti,
e tu sei piccolina, e tu sei piccolina,
lo sai che i papaveri
son alti, alti, alti,
sei nata paperina, che cosa ci vuoi far?"

Vicino a un ruscello che dirvi non so,
un giorno un papavero in acqua guardò
e vide una piccola papera bionda giocar.
E lì s'incantò.
Il papero disse alla mamma:
"Mammà, pigliare una papera come si fa?"
"Non puoi tu pigliare una papera" disse mammà.
"Se tu da lei ti lasci impaperare
il mondo intero non potrà più dire:

Lo sai che i papaveri
son alti, alti, alti,
e tu sei piccolina, e tu sei piccolina,
lo sai che i papaveri
son alti, alti, alti,
sei nata paperina, che cosa ci vuoi far?
Che cosa ci vuoi far?
Che cosa ci vuoi far?

Tema original interpretado por Nilla Pizzi

También hay que destacar que en la interpretación original, es memorable el aporte de Mario Bosi, quien hace la voz del pato, prácticamente idéntica a la del Pato Donald de Disney que ya era conocido en Italia desde 1942.

Seguramente todos mis lectores la han escuchado y tarareado alguna vez ya que como canción infantil fue un éxito en todo el mundo, tanto es así que fue traducida a más de cuarenta idiomas (incluso al chino) y ha sido interpretada entre otros por Bing Crosby, Constantino Eddie, Yves Montand y Beniamino Gigli.
En Latinoamérica se popularizó a inicios de los años 70 con un LP titulado "Cuando cantan los niños" Volúmen 1, Orquesta dirigida por Larry Godoy (chileno). Algunos años después Florinda Meza la interpretó en el show de Chespirito, a inicios de los 80. (Aquí la versión de Chespirito, que aunque mantiene la melodía, la letra es muy adaptada)

Letra en español
Un blanco patito nadaba feliz
en un aromado y hermoso jardín
nadaba cantando sin preocupación
alegre su corazón.
De pronto en la tarde
hacia el cielo miró
una alta y hermosa amapola encontró
y al verla tan linda y tan bella se enamoró.
Se pasa noche a noche embelesado
aquel pobre patito enamorado.
Conozco una amapola que esta alto, alto, alto
y tu eres chiquitico
y tu eres chiquitico
conozco una amapola que esta alto, alto, alto
y tu eres un patito chiquito y nada más.

El controversial tema quedó en 2do lugar en el Festival de San Remo de 1952, puesto que la ganadora fue Vola colomba (Vuela paloma) interpretada por la misma Nilla Pizzi que aquel año ganó los dos primeros lugares.
A pesar de haber quedado en segundo puesto, Papaveri e papere se convirtió en una de las canciones infantiles más conocidas en el mundo.

Esta canción nos muestra como la crítica social puede ser ingeniosamente disfrazada, en este caso como una inocente canción infantil.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4

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El mensaje que la Tierra envió a los extraterrestres

¿Se imaginan si pudiéramos lanzar un mensaje en una botella al espacio exterior, a nuestra galaxia? ¿A quién estaría destinado? ¿Qué le diríamos?
Bueno, algo mas o menos parecido hizo la NASA hace más de 30 años, aquí la historia.

En el año de 1977 fueron lanzadas al espacio la sondas Voyager 1 y 2 desde Cabo Cañaveral, ambas con la misión de visitar y estudiar a los gigantes Júpiter y Saturno.
Ambas sondas llegaron a Júpiter en 1979 con algunos meses de diferencia. En conjunto enviaron a la tierra más de 33.000 imágenes del planeta con una calidad y nitidez nunca antes vista, monitorearon su actividad volcánica y descubrieron nuevas lunas hasta entonces desconocidas. Definitivamente los datos aportados por ambas sondas justificaron con creces el costo del proyecto.

Una de las sondas gemelas Voyager

Para noviembre de 1980, la V1 ya se había acercado a Saturno, llegando a estar en su momento más cercano a tan sólo 125.000 km del planeta, y al año siguiente, su hermana, la V2 también hacía su arribo al planeta de los anillos. Es aquí donde ambas Voyager tomaron rumbos diferentes. La V1 siguió avanzando hacia los confines del sistema solar, mientras que V2 fue redirigida hacia Urano y Neptuno, algo no previsto en el proyecto original, a donde llegó en 1984 y 1991 respectivamente.

Bueno, espero que esta introducción no les haya aburrido porque recién ahora empiezo a relatarles otra misión paralela y curiosa de estas sondas hermanas.
Cada una lleva a bordo un disco de cobre bañado en oro, en el que se encuentra grabado un mensaje de la humanidad destinado a cualquier posible civilización extraterrestre que las encuentre.

Estos discos tienen un diámetro de 31 cm y en ellos va grabado un mensaje a manera de saludo en 55 lenguas, también un saludo del entonces secretario de la ONU -Kurt Waldheim-, una hora y media de música proveniente de diversas culturas, fotografías y mucha información más. Todo el material que contiene el disco fue elegido y seleccionado por un comité de científicos encabezado por el astrónomo Carl Sagan.

El Disco de Oro de las Voyager, también llamado "The Sounds of Hearth"

Contienen 116 imágenes en más de una calibración, en las que se explica en lenguaje científico la localización de nuestro sistema solar, las unidades de medida que utilizamos, las características de la tierra, del cuerpo humano y de la sociedad en general. Las imágenes fueron diagramadas a blanco y negro y a color. Las primeras son de interés científico en las que se exponen nuestras bases de matemáticas y física, el sistema solar y los planetas, el ADN, la anatomía humana y la reproducción. Las imágenes a color son de animales, insectos, plantas y paisajes de la Tierra, sobre nuestra alimentación y arquitectura, retratos humanos incluyendo una amplia gama de culturas, y se tuvo la precaución de anotar y explicar nuestras escalas de tiempo, tamaño y masa. Las medidas y escalas utilizadas necesitaban pocas referencias físicas y se pensó –y aún se cree- que pueden ser compatibles en cualquier lugar del universo.

* Aquí pueden ver todas las imágenes

En ambos discos también fue incluido un mensaje del entonces presidente de los Estados Unidos - Jimmy Carter - que decía:

«Lanzamos este mensaje al cosmos. De los 200 mil millones de estrellas de nuestra galaxia, algunas - tal vez muchas - pueden tener planetas habitados y civilizaciones con tecnología espacial. Si una civilización intercepta nuestra nave y puede descifrar el contenido, este es nuestro mensaje: "Estamos tratando de sobrevivir a nuestro tiempo para poder vivir en el de ustedes. Esperamos algún día, después de haber resuelto los problemas que enfrentamos, unirnos a una comunidad de Civilizaciones Galácticas. Este registro representa nuestra esperanza, nuestra determinación y nuestra buena voluntad en un universo vasto e impresionante."»

También fueron incluidos una serie de sonidos tales como el oleaje, viento, truenos y de algunos animales, incluyendo cantos de pájaros y ballenas. (Pueden escucharlos aquí)
La selección musical fue variada, e incluía los ritmos y melodías más representativas del planeta que abarcaban desde Beethoven, pasando por Guan Pinghu , Mozart y Stravinsky hasta Chuck Berry. (Aquí pueden ver la lista de canciones)

Las 116 imágenes fueron codificadas en forma analógica y compuestas por 512 líneas verticales. El resto del disco es de audio, diseñado para ser escuchado a 16 ⅔ revoluciones por minuto.
Para facilitar el uso del disco a una eventual civilización extraterrestre que lo encuentre, la NASA incluyó en ambas Voyager la aguja necesaria para que alguien reproduzca el contenido del disco. En la esquina superior izquierda de su superficie es fácilmente reconocible el esquema de un fonógrafo y su aguja. En él se muestra la posición correcta para ejecutar el registro desde el inicio. El gráfico indica que su ejecución debe iniciar de afuera hacia adentro. Debajo de este primer dibujo hay una vista lateral del disco y la aguja, con un número binario que muestra el tiempo necesario para reproducirlo, alrededor de una hora.

Las indicaciones que se adjuntaron para ejecutar el disco

Los 55 saludos que se enviaron son muy curiosos y no guardan uniformidad entre sí, aunque todos llevan su dosis de buenos deseos. Por ejemplo, el saludo en idioma castellano es un parco: “Hola y saludos a todos”, mientras que el saludo en árabe decía: “Saludos a nuestros amigos de las estrellas. Ojalá podamos reunirnos algún día”.
El cantonés decía algo así: “Hola ¿Cómo están? Les deseamos paz, salud y felicidad”, mientras que el saludo indonesio decía: “Buenas noches señoras y señores. Adiós y nos vemos en una próxima oportunidad”.
El saludo en idioma amoy, una lengua utilizada por millones de personas en el este de China dice: “Amigos del espacio, ¿cómo están? ¿Han comido ya? Vengan a visitarnos, si tienen tiempo”. En este enlace pueden leer y escuchar los 55 saludos que se enviaron.

Técnicos de la NASA instalando el disco

Estas naves hermanas son los aparatos creados por el hombre que más lejos han llegado. Ahora, a 34 años de su lanzamiento se encuentran a 17.000 ya 14.000 millones de kilómetros de la tierra respectivamente, tan lejos que desde la tierra tardamos 14 horas y media en enviarles un mensaje, y otro tanto en recibir respuesta. Se alejan de la tierra a una velocidad aproximada de 17 kilómetros por segundo, y se espera que en poco tiempo abandonen los límites de la influencia magnética del sol, la heliosfera, donde se podrá estudiar cómo se comporta el viento solar en esas condiciones.
Se estima que las baterías atómicas de las que están provistas ambas naves, permanecerán activas del año 2025. Cuando ya no dispongan de esa energía, seguirán su viaje infinito por el espacio pero ya no podrán transmitirnos "lo que ven", nos habrán dejado definitivamente.

Ubicación del disco en las naves

Como curiosidad les comento que entre las melodías escogidas constan la 5ta Sinfonía de Beethoven, el Concierto de Brandemburgo de Bach y El Cóndor pasa, aquella preciosa canción peruana que muchos erróneamente atribuyen a Simon & Garfunkel. Por su parte Carl Sagan también había pedido permiso para incluir la canción "Here Comes the Sun" de los Beatles, a lo cual ellos estuvieron dispuestos, pero la disquera EMI se opuso a que la canción fuera incluida.
En los años 80 era muy común en los Estados Unidos escuchar una broma que decía que los extraterrestres habían encontrado los discos de las Voyager y que habían mandado un mensaje a la Tierra pidiendo que envíen más música de Chuck Berry :)
En este enlace multimedia pueden disfrutar de todo el contenido del Disco de Oro de las Voyager.

Debido al tamaño del Universo y a las inmensas distancias que separan a las estrellas, el mismo Carl Sagan dijo que si hipotéticamente hubiesen otras formas de vida capaces de recibir y descifrar el mensaje de las Voyager, esto no sucedería hasta dentro de unos 40.000 años.

Personalmente soy un escéptico del tema, pero cuando tratas de entender cuán grande es el Universo sólo puedes pensar que tanto espacio vacío sería un desperdicio. En todo caso, nada mejor que la frase de Carl Sagan:

“A veces creo que hay vida en otros planetas, y a veces creo que no. En cualquiera de los dos casos la conclusión es asombrosa.”

* Vale aclarar que a inicios de los años 70 las sondas Pionner fueron las primeras en llevar una placa con un gráfico en el que se mostraba la ubicación de nuestro planeta con respecto al sistema solar, y la figura de un hombre y una mujer. En aquella época fue muy criticado el gráfico debido a la desnudez de la pareja.


Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10

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El día que echaron a John Lennon de un bar

El Bar Troubadour situado en el boulevard de Santa Mónica en Los Ángeles, siempre era un escenario obligado para los cantantes de los años 70, una especie de pequeño santuario donde los clientes ávidos de nuevas voces iban incrementando con el tiempo. Era un mítico escenario del nacimiento o consolidación de grandes estrellas de la música como Elton John, quien tuvo en el Troubadour su primer concierto en Estados Unidos y ahí se presentaron también en sus inicios The Byrds, Eagles, Joni Mitchell, David Crosby, Miles Davis y muchas otras leyendas de rock, el folk y el jazz. Ya en los ochenta, el lugar se convirtió en punto de referencia del heavy metal donde hicieron sus primeros pininos unos desconocidos Guns ’N Roses.

El mítico bar Troubadour

Entre las anécdotas más recordadas del mítico lugar está aquella de la noche de 1974 cuando John Lennon y Harry Nilsson fueron expulsados por borrachos.

A inicios del año 74, John Lennon se encontraba separado de Yoko Ono y mantenía un tórrido romance con su secretaria May Pang. La noche del 12 de marzo la feliz pareja junto a su gran amigo, el cantante Harry Nilsson, se dirigieron hacia el bar Trobadour y se acomodaron en la zona VIP, donde se encontraban también otras celebridades como Pam Grier o Peter Lawford, y pidieron tres Brandy Alexander.

John Lennon, May Pang y Harry Nilsson en el bar

John se bebió a su vaso de un solo trago y pidió otra ronda, luego comenzó a cantar “I Can’t Stand the Rain” y Harry Nilsson se le unió acompañándole con las cucharas y los vasos a manera de percusión. Ese momento fueron rodeados por varios fotógrafos y John aprovechó para enviarle un mensaje a Yoko, cogió a su novia May por el cuello y le plantó un beso en la boca, luego de lo cual dijo: “¡El secreto ha sido revelado!”.

Quienes estaban a punto de salir al escenario eran los Smother Brothers. Hicieron su aparición, y cuando los aplausos cesaron, aún podía oírse a John y a Harry cantando escandalosa y desafinadamente. Lennon alternaba la letra de su canción gritando obscenidades y de vez en cuando, se lo escuchaba gritar: “¡Si, soy John Lennon!”.

Los Smothers Brothers

El público ya se encontraba cansado de aquella actitud y empezó a reprocharles enérgicamente, pero ellos no se callaban, hasta que se les acercó el manager de los Smother Brothers y les gritó: “¡Hemos trabajado duro para esto y no voy a permitir que lo arruines!”, y tomó del hombro a John Lennon. John al darse la vuelta tiró la mesa al suelo y se trenzaron en una gresca que fue separada por Peter Lawford con ayuda de algunos meseros. Incluso Lennon se dio el lujo de lanzar un vaso hacia el manager, con tan mala suerte que impactó en la boca a un cliente. El dueño del Trobadour y dos fornidos guardias del lugar sacaron a John y a Harry del local justo a tiempo, porque la enfurecida muchedumbre estuvo a punto de agredirlos.
Varios testigos informaron que el club estaba repleto y que todo el mundo gritaba "¡Sácalo de aquí!". Enseguida May Pang abandonó voluntariamente el lugar.

Ya afuera, en el boulevard (de acuerdo a una demanda presentada contra Lennon por asalto y agresión), una mujer llamada Brenda Perkins de 40 años, tomó una foto de Lennon desde una distancia de un metro a metro y medio. La denuncia decía: “El acusado golpeó a Brenda Perkins con la mano, introduciéndole el dedo pulgar en el ojo, y posteriormente la persiguió.”
Otro que presentó una denuncia fue Gary Lewis, de 21 años, quien llamó a la revista Rolling Stone nueve días después del incidente para vender las fotos que había tomado a John Lennon esa noche. “Lennon intentó atacarme, yo me quedé petrificado y logró golpearme”, dijo Lewis, y de la fotógrafa Brenda Perkins dijo “es una fanática de las estrellas y muy amiga mía. Ella también fue agredida”.

El abogado de ambos paparazzis era Michael Kaufman, quien presentó la demanda civil en la Corte Superior de Los Ángeles, pidiendo una indemnización de $ 2.000 más gastos de representación de $ 10.000 por cada cliente. Ambos, dijo Kaufman, fueron tratados por lesiones menores en los hospitales de emergencia. El abogado dijo que había estado en contacto con las partes que representaban a Lennon y que se vislumbraba una posible solución.

León Wilde, el abogado de Lennon en el caso de inmigración (Lennon también estaba apelando una posible deportación de los EE.UU.), se puso en contacto antes de la decisión del fiscal de Los Ángeles y dijo que no creía que el incidente afectaría su caso migratorio, a menos que haya un enjuiciamiento penal. Una demanda civil por daños y perjuicios no crearía ningún problema.
Después de dos semanas de investigacionnes, el fiscal de Los Ángeles anunció que no había cargos para imputar a Lennon.

La noche después del incidente en el Trobadour, llegaron dos arreglos florales al bar. Uno de claveles blancos con una tarjeta dirigida al dueño del Troubadour que decía:

“Para Doug Weston y su personal: Por favor, acepten estas flores como muestra de agradecimiento por la forma en que manejaron una situación embarazosa. Pedimos disculpas por la escena. John Lennon y Harry Nilsson."

El segundo arreglo floral era de crisantemos, y estaba dirigido para los Smothers Brothers:

“Tom y Dick: Les rogamos aceptar estas flores como un gesto de paz y pedimos humildemente perdón por nuestros malos modales. Amor y lágrimas, John y Harry.”

De ahí en adelante, cada vez que se presentaban los Smothers Brothers, solían bromear y referirse al incidente de aquella noche: “John Lennon y Harry Nilsson tienen derecho a interrumpirnos cuando quieran", decían. "Para ser tan talentoso como ellos, hay que tener un lado oscuro. Nosotros nunca hemos sido chicos malos, así que que nunca seremos tan talentosos”.

Años más tarde Harry Nilsson recordaría: “Aquel incidente arruinó mi reputación durante una década. Esas son las consecuencias emborrachar a un Beatle”.

Fuentes y referencias:
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La canción más bella del mundo

Los gustos musicales son muy subjetivos ya que mucho influyen en ellos nuestra edad, personalidad, experiencias vividas y un sinfín de variables. Personalmente soy fanático de la música de los ochenta pero no soy cerrado al resto de géneros musicales, tanto es así que considero que la canción más romántica y sensual de todas las épocas es "Je t'aime... moi non plus", que fue escrita por allá en la década de los sesenta por el mítico e incorregible Serge Gainsbourg, quien se la dedicó a su amante de turno, por aquella época la bellísima Brigitte Bardot.

Briggitte Bardot y Serge Gainsbourg

Serge Gainsbourg era hijo de un inmigrante ruso que se ganaba la vida tocando el piano en bares y cabarés. Desde muy joven demostró cierto talento con los lienzos y pinceles, y al igual que la mayoría de parisinos de su generación, se consideraba un artista frustrado.
Luego de fracasar como pintor, se vio obligado a trabajar como pianista en clubes de segunda categoría, de gays y de striptease, ya que de alguna forma tenía que sobrevivir. Es de uno de esos antros, donde Serge conoce al escritor Boris Vian, quien –encantado con su carácter y amena conversación- le anima a escribir sus propias canciones.

Serge Gainsbourg

Se convirtió entonces en un bohemio compositor francés, de aquellos que vivió el mayo del 68. Era un tipo rebelde, enemigo de la aristocracia, de la Iglesia y del estado. El prototipo del hombre nocturno, mujeriego y descomplicado, todo un mito de su generación, que igual, tuvo una muerte prematura debido a sus excesos con el alcohol, lo que acabó convirtiéndolo en leyenda y en el más envidiado de los hombres de su tiempo, ya que sin ser un adonis, en su currículum constaba haber seducido a una de las mujeres más deseadas de la época, a la despampanante Brigitte Bardot, a quien hizo cantar su bella y por aquel tiempo escandalosa canción, que no era más que la representación de un encuentro sexual entre dos amantes.
El tema es muy conocido por la repetición de la frase: "Je vais et je viens, entre tes reins" (Voy y vengo, entre tus caderas), todo esto entre sugerentes susurros y orgasmos hasta llegar al clímax.

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"Je t'aime... moi non plus"

Esta fue su canción más famosa y, como les dije anteriormente, fue escrita en 1967 para su amante en ese entonces, Brigitte Bardot. Cuando fue grabada ella misma interpretó la voz femenina, pero cuando la canción empezó a sonar promocionalmente en Francia -y ya se habían separado-, la diva se echó atrás y le pidió que por favor no saque más discos a la venta, que en nombre de ese amor que alguna vez tuvieron, por favor retire el disco del mercado porque ahora estaba a punto de casarse con un empresario y tenía miedo de perjudicar su imagen. Serge no se hizo problema y la volvió a grabar en 1968 con la bella Jane Birkin, a quien terminó seduciendo en los estudios de grabación y la convirtió su nueva pareja.

Serge y Jane Birkin

La canción se convirtió en un éxito indiscutible en toda Europa a pesar de que fue censurada y prohibida en varios países, especialmente porque el periódico oficial del Vaticano, L'Osservatore, la calificó como obscena. Se prohibió difundirla en Italia, Suecia, España y el Reino Unido, pero eso contribuyó a que el acetato fuera el más solicitado en esa época a los contrabandistas, y era obvio, todos querían tener en su casa a la que empezaron a llamar "la canción más bella del mundo". Curiosamente con todo y censura, el disco llegó a ser #1 en las listas de Gran Bretaña.

El gran Serge, siempre polémico, en la década de los setentas también fue amenazado de muerte por por un grupo de radicales franceses porque había cometido el “sacrilegio” de grabar La Marsellesa en versión reggae, en uno de sus viajes que hizo a Jamaica.

Su día a día, como él mismo lo aseguraba, era una fiesta contínua de alcohol, cigarros Gitanes y mujeres. Con esa vida, no era de extrañar que muriese por un paro cardíaco.

Jane y Serge

Imaginen ustedes a cualquier bella francesa de la época. ¿Isabelle Adjani? ¿Catherine Deneuve? ¿la entonces quinceañera Vanessa Paradis?. Todas ellas sucumbieron ante él y estuvieron dispuestas a obedecer las órdenes de este hombre que conquistó a quien se propuso desde su 1,60 m de estatura y su “cara de destruido, pero destruido bien: por los excesos y por la vida”, como él mismo se catalogaba.

Jane y Serge

Serge murió sin haber hecho el amor con Whitney Huston, como claramente se lo dijo en directo en un programa de televisión, pero habiendo amado a muchas mujeres hermosas. Murió por haber sido un fumador empedernido y por haber bebido demasiados whiskies. Muchos se lo imaginan divirtiéndose en el cielo, de hecho después de su muerte, era una broma muy común en Francia, que debería estar seduciendo a la Virgen María escribiéndole una bella canción.

Se encuenta enterrado en el Cementerio de Montparnasse y su tumba sigue siendo un lugar de culto para sus fans.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5

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El día que no le vendieron cerveza a Jimi Hendrix

A pesar de ser estadounidense, Jimi Hendrix se consagró musicalmente primero en Europa, y Londres fue su catapulta al éxito, ya que ahí formó su primera banda profesional, la Jimi Hendrix Experience.

La Jimi Hendrix Experience

Era el año de 1967 y Hendrix llevaba viviendo en Inglaterra más de seis meses. Se había acoplado muy bien al estilo de vida londinense donde tenía buenos amigos como Paul McCartney y Noel Redding, el bajista de su grupo, con quienes solía salir a tomarse unas cervezas en los famosos pubs.

Cierta noche, Jimi y Noel se encontraban en Liverpool y decidieron salir de copas, por lo que se dirigieron hacia uno de los famosos pubs de esa ciudad.
La respuesta que recibieron por parte del camarero del bar inglés fue muy incómoda:
- “Lo siento amigos pero aquí no los podemos atender. Ya saben las normas del bar, disculpen.”

Jimi Hendrix prácticamente ya era una celebridad en Inglaterra, y en los bares de Londres lo recibían como a un miembro de la realeza, ya que Eric Clapton y Brian Jones, de los Rolling Stones, lo habían recibido en sus círculos sociales como uno más de ellos. Es más, la prensa inglesa se refería a Jimmy Hendrix, como el artista americano con mayor proyección, como “El Elvis negro”. Por eso y por muchas otras razones, parecía casi increíble que le estuvieran negando la entrada en aquel pub.


Lo primero que se le pasó por la cabeza a Jimi Hendrix, es que lo estaban discriminando por su color de piel, y como afroamericano, eso era algo que ya lo había vivido. Jimi sabía lo que era que le negaran una copa por motivos racistas. De hecho, el creció en Nashville, Tennessee, y alguna vez dispararon contra su casa por motivos racistas. Igualmente cuando empezaba a darse a conocer como músico, sufrió muchas humillaciones y desaires, por lo que este nuevo desplante le hizo evocar aquellas épocas negras de su infancia y juventud.
Pero aún así, Hendrix estaba muy extrañado, ya que en su poco tiempo en Inglaterra nunca había sentido discriminación racial, de hecho los para los británicos su acento americano y su color de piel más bien era una excentricidad y algo atractivo.

Para esa época a Jimi Hendrix y a su bajista Noel Redding les gustaba vestir de manera muy extravagante. Ese mismo día, Jimmy vestía una chaqueta militar antigua, una reliquia de la época del Imperio Británico, que había comprado hace poco en un mercadillo londinense, pero dicho sea de paso, era bastante llamativa. Era tan larga como un abrigo completo y tenía 73 botones dorados para abrocharla, sin contar que en las mangas y en el centro destacaban unos complicados bordados dorados.

Hendrix y su chaqueta militar inglesa

Esta chaqueta le había causado ciertos problemas en la calle, ya que los veteranos militares ingleses le habían manifestado su rechazo a que luciera dicha prenda, más aún cuando se enteraban que era americano y para colmo un astro del rock. Sin embargo, cualquier conflicto se resolvía enseguida, cuando el siempre cortés Jimi se disculpaba y les contaba que había hecho el servicio militar en la División Aerotransportada 101 del ejército estadounidense. Esas palabras eran suficientes para que los veteranos se callaran y le sonrieran dándole las gracias, ya que todos los británicos recordaban que en el famoso “Día D” del Desembarco de Normandía, la legendaria División 101 llenó el cielo con sus paracaidistas, en lo que sería el inicio de la derrota de Hitler.

Volviendo al incidente del bar londinense, Jimi Hendrix pensó en identificarse como nuevo astro del rock ante aquel impertinente camarero, pero no lo hizo porque ya se le estaba agotando la paciencia, algo muy común en él. Lo único que le dijo fue: “¿No puedo entrar al Pub porque soy negro, verdad?”. El asustado cantinero le respondió enseguida: “¡No, por el amor de Dios! ¿No leyeron el letrero que está en la entrada?”

Aunque quedaba descartado el prejuicio racial, Jimi y Noel se miraron el uno al otro sorprendidos y se echaron a reír, ya que no tenían idea de lo que se trataba. Enseguida Noel salió a la calle para ver qué había en la puerta, y a leer el letrero le dio tal ataque de risa que acabó cayéndose al suelo. En él decía: “Prohibida la entrada a los payasos del circo”.
Cuando volvió a entrar y le contó esto a Hendrix, ambos soltaron una sonora carcajada.

Luego de las consiguientes explicaciones, el camarero les explicó que hace poco habían puesto un circo al final de la calle y que le estaba afectando al negocio, pero que aún así no podía darse el lujo de atender a ninguno de los payasos vestidos como tal, ya que enseguida se le llenaría el local de disfrazados, y que ésa no era la manera de manejar un pub inglés.

Esta fue una de las anécdotas que recordaron por años y con la que bromeaban durante todas las giras; que los echaron de un pub porque con su vestimenta creyeron que eran unos payasos.


Esa primavera Hendrix logró posicionarse como estrella del rock en toda Gran Bretaña. Dos meses después lució la misma chaqueta militar en el “Monterey Pop Festival”, actuación que lo consagró en su país, y después de la cual, llegó a ser la estrella más grande del mundo del rock.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4
La curiosa anécdota también pueden encontrarla en este libro online: Jimi Hendrix: la biografía, páginas 17 hasta la 22.

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Desde una terraza, nació el mito

Heloísa era la hija de un estricto general del ejército y de una mujer ultraconservadora, allá en el Brasil de los años 60. Era una bella muchacha de apenas 15 años y 1.69 cm de estatura.

Cierto día pasaba caminando frente al "Bar Veloso" rumbo a la playa de Ipanema y dejó atragantados con su whisky a los cuarentones Vinicius de Moraes y Tom Jobim, que todas las tardes bebían religiosamente su escocés mientras hablaban de música y poesía en la terraza de ese local.

Bar Veloso

Fue Tom quien vio primero a la muchacha alta y bronceada de cabello oscuro, ojos verdes y bien repartidas curvas que ondulaban mientras caminaba hacia la playa. Enseguida fue a contarle del hallazgo a su amigo Vinicius, quien no pensó que la chica fuera para tanto; entonces lo desafió a comprobarlo con sus propios ojos.

Ambos se asomaron nuevamente al balcón, y desconcertados por su belleza brindaron con otro whisky a nombre de esa garota, a quien esperaron verla al día siguiente y no apareció, pero volvieron a tomarse un “seco y volteado” en su honor al tercer día en que la infartante chica volvió a pasar frente al bar.

Heloísa Menezes

-"¿Te diste cuenta que cuando ella pasa, el aire se hace más volátil? Ni los egipcios ni Einstein podrían explicarlo", le dijo casi en éxtasis Vinicius a su socio musical, según coinciden varias biografías del célebre poeta brasileño.

Así, entre esas conversaciones de bar de dos bohemios compositores, nacería la canción que con el tiempo se convirtió en la tarjeta de presentación de la bossa nova ante el mundo: "Garota de Ipanema".

Las fotos del álbum familiar muestran a la quinceañera Heloísa Eneida Menezes Paes Pinto como una adolescente pudorosa e insegura. Años después confesaría que, yendo en bikini a la playa o en uniforme al colegio, los piropos y silbidos que recibía de este par de señores le subieron la autoestima, ya que entonces se sentía flaca y fea.

Tres años después, cuando "Garota de Ipanema" ya iba siendo el himno de la bossa nova y muchas jóvenes cariocas con hambre de fama se adjudicaban el haber inspirado a los autores, Vinicius reveló en la Revista Manchete que la musa había sido Heloísa.

“Su nombre es Heloísa Eneida Menezes Paes Pinto, pero todos la llaman Helô. Desde hace tres años la veíamos, allí en la intersección de Montenegro con Prudente de Morais, y nos extasiaba verla pasar caminando hacia la playa. La veíamos desde la terraza del bar Veloso mientras nos tomabamos un whisky. Tom y yo sólo enmudecíamos ante su maravillosa presencia.

La canción fue hecha para ella, que nos tenía encantados. Luego el tema hizo de nuestra querida Ipanema una palabra mágica para los turistas”

Tom Jobim y Vinicius

Casi 20 años después, luego de una noche de copas, Toquinho, otro célebre músico carioca y compañero de bohemia, encontró a Vinicius sin vida en la bañera de su casa en Ipanema, en la que el poeta creaba sus canciones y recibía a sus amigos. Y a pesar de que murió en 1980, con  esta preciosa canción logró inmortalizar sus playas, a su garota, y al estilo de vida carioca frente al mar.

Olha que coisa mais linda
Mais cheia de graça
É ela menina
Que vem e que passa
Num doce balanço
Caminho do mar

Fuentes y referencias:
1, 2, 3

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El día que los Beatles huyeron de Manila

Hace más de 40 años, los Beatles soportaron la peor humillación que les tocó vivir a lo largo de toda su carrera, y fue en Filipinas, durante una gira asiática que dieron en 1966.

The Beatles

La ciudad de Manila era la última parada de la gira de los cuatro de Liverpool antes de regresar a Gran Bretaña. Los músicos llegaron a Filipinas el 4 de julio de 1966 y el recibimiento que les dieron había superado todas las expectativas, fueron recibidos como héroes y 20 autos Cadillac oficiales estaban listos en el aeropuerto para recogerlos. Fue tan esperada la visita de los británicos, que hasta se acuñaron monedas conmemorativas del evento.

Las medidas de seguridad fueron las mismas que se prestaba a los jefes de estado extranjeros, puesto que Filipinas era un país realmente peligroso, todo el mundo portaba armas de fuego y la criminalidad estaba por las nubes.

En esa época, Filipinas se encontraba gobernada por la familia Marcos, que aprovechando la visita de los músicos, quiso mejorar su imagen pública, por lo que la Primera Dama, Imelda Marcos, invitó a los Beatles a su residencia oficial, el Palacio de Malacañang, a un almuerzo oficial, donde estarían sus tres hijos y altos funcionarios del gobierno.

Ferdinand Marcos y su esposa Imelda

Los ingleses que venían de ofrecer un concierto en Tokio y luego de un agotador viaje, con dos conciertos a la vista, para esa misma tarde y noche, decidieron declinar educadamente la invitación y se quedaron durmiendo en el hotel, ajenos a lo que estaba por suceder. Imelda Marcos no estaba acostumbrada a recibir un "no" como respuesta, así que decidió inmediatamente vengarse utilizando el control que ejercía sobre los medios de comunicación.

Esa tarde los Beatles tocaron ante 35.000 personas, y después del concierto Brian Epstein, manager del grupo, prendió la televisión para ver la cobertura del evento en los noticieros de la noche. Sin embargo la principal noticia mostraba a la Primera Dama en el palacio con sus invitados y 200 niños desilusionados. La voz en off decía:

"Los niños pobres empezaron a llegar desde muy temprano y esperaron hasta las dos de la tarde, en que fueron retiradas las tarjetas de los Beatles de la mesa".

Las cámaras grabaron en directo cómo la mandataria había sido "plantada" por los ingleses "deshonrando a todo el país". También se mostraban imágenes de los niños llorando y de los platos vacíos. Ahora el giro que daba la noticia, era que los Beatles habían desairado al presidente de Filipinas, a su esposa y 200 niños de la calle al no presentarse.

El manager del grupo envió a toda prisa una disculpa por escrito al presidente Marcos y convocó una rueda de prensa en el hotel donde explicaba que no se les había informado que el evento era para agasajar a 200 niños.

Concierto en el Rizal Memorial Stadium de Manila

Los Beatles recién se dieron cuenta de que la situación era preocupante, después del concierto que dieron por la noche, cuando vieron que su escolta policial había desaparecido. Cuando llegaron al Manila Hotel -donde se hospedaban-, las puertas de éste se encontraban cerradas con llave. Mientras esperaban sentados en el coche que los había llevado hasta allí, pensando en cómo podían subir a su suite a descansar, apareció una muchedumbre de alborotadores organizados que atacaron al vehículo, golpeaban las ventanas y lo sacudían de un lado a otro mientras los insultaban.

Vic Lewis era el publicista del grupo y en ese momento se encontraba con los músicos dentro del auto. Él fue quien le gritó al conductor: "Vamos, arranca! Ábrete paso entre la multitud y tumba la puerta del hotel!. El conductor obedeció y ya en la puerta de vidrio, los Beatles y su equipo pudieron bajarse a toda prisa porque la multitud les pisaba los talones.

Entrada del hotel donde fueron agredidos

Poco después, un oficial filipino se presentó en la suite del manager del grupo exigiéndole el pago de los impuestos, a lo que el manager contestó que el grupo no era responsable de pagarlos, sino el empresario que los contrató. De todas formas el oficial les comunicó que tenían orden de arraigo mientras los impuestos no fueran pagados en su totalidad. Brian Epstein, pagó $18.000 de su propio bolsillo para que les dejaran marchar, puesto que debían también pagar unos "impuestos especiales" que nadie había mencionado antes. Ese momento se dieron cuenta que debían abandonar lo más pronto el país y llamaron a los botones para sacar su equipaje, pero el administrador del hotel les dijo que todos los empleados se habían negado a trabajar porque desde hace algunas horas estaban recibiendo llamadas anónimas con amenaza de bombas al hotel. La embajada del Reino Unido también fue amenazada telefónicamente toda esa tarde y noche.

Publicidad y entrada para uno de los conciertos

A la mañana siguiente, Paul McCartney vio los escandalosos titulares de los periódicos. El Manila Times titulaba con letras de catástrofe: "Imelda plantada". Otro periódico decía: "Los Beatles desairan al presidente". Enseguida fue a las habitaciones de los demás y les dijo: "Vamos! Levántense de la cama! Nos vamos de aquí". Toda la comitiva agarró sus equipos y maletas y se dirigieron hacia los ascensores principales, pero estos estaban apagados. Tuvieron que bajar por las gradas cargando ellos mismos su equipaje y algunos amplificadores. La recepción estaba vacía y todos los coches habían desaparecido, incluso los que ellos habían alquilado el día anterior. Alguien vio pasar providencialmente un par de taxis, donde se apretujaron como pudieron y se dirigieron al aeropuerto.

Las calles hacia el aeropuerto habían sido también saboteadas, había soldados en las intersecciones y las vías estaban cerradas. Finalmente pudieron encontrar un camino secundario para llegar al terminal. Ya dentro del aeropuerto, los ingleses pudieron ver a un grupo de manifestantes que se acercaba peligrosamente hacia ellos. En el trayecto hacia el avión, que fueron obligados a hacer sin oficiales de seguridad y abandonando parte de su equipaje, les aguardaban unas 300 personas que les zarandearon y escupieron a ellos y a su séquito mientras gritaban "Beatles, go home!". El más afectado fue Ringo, que recibió un puñetazo en la cara y fue pateado tras caer al suelo. Mejor suerte tuvieron Paul McCartney y John Lennon, que se protegieron detrás de un grupo de monjas que iban en el mismo vuelo. Finalmente, cuando toda la comitiva pudo abordar milagrosamente el avión, el despegue se aplazó. Un grupo de uniformados subió a la nave y habló con el manager a quien informaron que para que el avión pueda salir, debían pagar un "impuesto de salida de Manila" que ascendió casi a la totalidad del dinero que los Beatles cobraron por los dos conciertos.

Tras un tira y afloja de 40 minutos con los responsables de la torre de control el avión logró despegar, y recién cuando levantó vuelo los ingleses se sintieron a salvo, pero ellos ya habían tomado una drástica decisión. Esta sería su última gira. John Lennon juró que nunca más iba a arriesgar su vida por un estadio lleno de adolescentes gritonas. Brian Epstein les dijo:

"Lo siento muchachos, pero ya nos pagaron por adelantado para tocar en Chicago, y si suspendemos el concierto hay una cláusula que nos multaría con un millón de dólares."

Así las cosas, ese mismo verano los Beatles tocaron en el International Amphitheatre de Chicago, que se convirtió en la primera parada de su tercera gira por los Estados Unidos, que por cierto sería la última como grupo.

Fuentes e imágenes:
Foro3K, Lisa's History, Beatlex, Pepperlandblog

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